Reproduction de tableau Portrait de l'artiste de Paul Gauguin

Ce Portrait de l'artiste montre Paul Gauguin tel qu'il se voit vers 1893-1894, de retour à Paris après son premier séjour en Polynésie. L'autoportrait condense tout ce qui occupe le peintre à ce moment : la couleur libérée, le mythe du primitif et la mise en scène de soi.

Peint au retour du premier séjour tahitien

L'œuvre appartient à la période charnière où Gauguin, rentré de Tahiti en 1893, tente de faire connaître à Paris les toiles rapportées des mers du Sud. Il se représente en artiste nomade, le visage marqué, déjà tourné vers le départ définitif qui le mènera à nouveau dans le Pacifique. Figure majeure du post-impressionnisme, il a quitté depuis longtemps l'observation impressionniste pour une peinture d'idées, construite par la mémoire et le symbole. Cet autoportrait fonctionne comme un manifeste discret : derrière l'homme, c'est son univers tahitien que l'on convoque. Conservé au musée d'Orsay, le tableau incarne l'image que le peintre veut laisser de lui-même à la veille de son retour aux antipodes.

Le peintre face à son Manao tupapau

Gauguin se présente en buste, de trois-quarts, coiffé d'un chapeau à large bord et vêtu d'une veste sombre, la moustache rousse, le regard oblique et distant. Derrière lui, à droite, un tableau encadré reprend une figure nue allongée : c'est une version inversée de Manao tupapau, sa Tahitienne couchée surveillée par l'esprit des morts. Plus bas, un vase bleu décoré d'arabesques jaunes rappelle son goût pour la céramique et l'objet exotique. Cette mise en abyme transforme le portrait en déclaration : l'homme se définit par son œuvre polynésienne, qu'il accroche derrière lui comme un blason. Le visage grave, presque hautain, affirme la posture du créateur solitaire et incompris qu'il revendique.

Aplats, diagonale jaune et cerne synthétiste

La composition repose sur un fond divisé par une forte diagonale opposant un pan jaune vif à une zone vert olive. Gauguin travaille en larges plages de couleur posées en aplats, cernant les formes d'un trait sombre hérité du cloisonnisme élaboré à Pont-Aven. La palette associe les jaunes et verts du fond aux bruns chauds du chapeau et du visage, tandis que le bleu du vase répond au motif tahitien. La touche reste visible, nerveuse, sans chercher l'illusion : le modelé du visage est simplifié, la lumière décorative plutôt que naturaliste. Cette huile sur toile, de petit format intimiste, montre la liberté chromatique et le dessin synthétique qui font la signature de l'artiste.

L'image que Gauguin lègue de lui-même

Les autoportraits de Gauguin ont profondément nourri le mythe de l'artiste maudit, en rupture avec la société bourgeoise. En se peignant devant ses propres œuvres tahitiennes, il fixe une légende personnelle que les fauves et Nabis reprendront : celle du peintre explorateur des couleurs pures. Son usage de l'aplat et du cerne ouvre la voie à Matisse comme aux expressionnistes allemands. Cette effigie compte parmi les images les plus diffusées de l'artiste et sert de point de repère pour comprendre la radicalité d'une peinture qui place la subjectivité et le symbole au-dessus de l'imitation.

Une présence sauvage pour un mur épuré

En reproduction murale, ce portrait apporte une présence intense et colorée à un intérieur sobre. Les jaunes et verts tranchés en font un point focal idéal au-dessus d'un bureau, dans un salon aux murs clairs ou dans une bibliothèque où l'on aime les figures fortes. Le format vertical en buste s'accroche facilement seul, encadré de bois sombre pour souligner les bruns, ou en toile tendue pour un rendu plus brut. Il séduit les amateurs d'art moderne, les lecteurs et les voyageurs attirés par l'imaginaire du grand large, et dialogue aussi bien avec un décor contemporain épuré qu'avec un intérieur bohème mêlant objets rapportés et matières naturelles.

Cette oeuvre est une peinture de la période moderne appartenant au style post-impressionnisme.

Le lieu de conservation de « Portrait de l'artiste » est Musée d'Orsay, Paris, France.