Reproduction de tableau Cléopâtre de Gustave Moreau

Cléopâtre appartient à la longue série de reines et d'héroïnes antiques que Gustave Moreau explore dans la seconde moitié du XIXe siècle, figure majeure du symbolisme français. La reine d'Égypte y apparaît alanguie dans un palais crépusculaire, à l'instant où l'histoire bascule vers la légende.

Une héroïne antique dans l'atelier symboliste

L'œuvre prolonge l'obsession de Moreau pour les femmes fatales de l'histoire et du mythe — Salomé, Hélène, Dalila — qu'il peint sans relâche à partir des années 1860. Cléopâtre rejoint ce panthéon de souveraines à la fois séductrices et vouées à la perte. Retiré dans son atelier parisien, aujourd'hui le musée Gustave Moreau, l'artiste multiplie esquisses et variations sur ces sujets, cherchant moins l'exactitude archéologique que la charge onirique d'une reine devenue idole. Cette Cléopâtre, traitée comme une rêverie plus que comme un récit, illustre sa manière tardive, où la peinture d'histoire se dissout dans l'évocation.

La reine alanguie dans le palais d'Alexandrie

Au centre de la scène, Cléopâtre repose à demi nue sur un lit bas, la tête renversée et la main portée à la chevelure, dans une pose d'abandon qui annonce déjà la mort. Un drapé blanc rehaussé d'éclats colorés — bleus, rouges, touches d'or — l'enveloppe, tandis que des figures pâles gisent au premier plan, servantes ou compagnes livrées à la même torpeur. Autour d'elle se déploie un immense vestibule à colonnes, palais d'Alexandrie réduit à une enfilade de fûts sombres. Le sujet renvoie au suicide de la reine après la défaite d'Actium, en 30 av. J.-C. : Moreau retient de l'épisode non l'agonie spectaculaire mais un érotisme funèbre, cette alliance d'Éros et de Thanatos que le thème charrie depuis le Moyen Âge.

Colonnes fondues dans un flamboiement d'ocres

La toile relève de l'esquisse à l'huile, montée en glacis rapides et en coulées verticales qui laissent la matière à vif. Les colonnes se dressent en traînées brun sombre, bleu-gris et rouge, plus suggérées que décrites, et la lumière tombe en cascades laiteuses depuis la droite, creusant la profondeur du portique. La palette chaude — ocres, terres brûlées, rouges profonds — n'est trouée que par les blancs nacrés des corps et quelques accents froids. Ce parti pris d'inachèvement, où le geste prime sur le fini, donne à la scène sa vibration fiévreuse et son atmosphère de songe.

De Delacroix mélancolique aux symbolistes

Moreau s'inscrit dans le sillage d'Eugène Delacroix, qui inaugure en 1838 une représentation mélancolique de la mort de Cléopâtre, loin du pathos baroque. Il en tire une vision plus intérieure, promise à une large postérité. Célébré par Joris-Karl Huysmans, dont le héros d'À rebours vénère ses toiles, admiré d'Odilon Redon, Moreau devient le maître d'une génération symboliste fascinée par le rêve et la femme fatale. Professeur à l'École des beaux-arts, il forme aussi Henri Matisse et Georges Rouault, transmettant ce goût de la couleur libérée que manifeste déjà cette esquisse.

Une pénombre dorée pour un intérieur feutré

Reproduite en grand format, cette Cléopâtre apporte à un intérieur une profondeur chaude et mystérieuse, idéale pour un salon feutré aux murs sombres ou un bureau à l'atmosphère de cabinet d'amateur. Ses ocres et ses rouges patinés s'accordent au bois, au cuir et au velours d'une décoration classique ou éclectique, comme aux ambiances contemporaines qui jouent la teinte profonde. Le sujet — une reine antique saisie dans un palais de lumière — parle aux amateurs d'histoire, de mythologie et de peinture symboliste, et transforme un mur en fenêtre ouverte sur un songe d'Orient. Accrochée dans une pièce de réception tamisée, elle installe une élégance grave et romanesque.

Cette oeuvre est une peinture de la période moderne appartenant au style symbolisme.

Le lieu de conservation de « Cléopâtre » est Musée Gustave Moreau, Paris, France.